17 books for « musee de l orangerie d... »Edit

‎Giorgio de Chirico. La peinture métaphysique.‎

‎<p>L’exposition Giorgio de Chirico. La peinture métaphysique au musée de l'Orangerie, du 16 septembre au 14 décembre 2020, retrace le parcours et les influences artistiques et philosophiques qui ont nourri l’artiste Giorgio de Chirico de Munich à Turin, puis à Paris où il découvre les avant-gardes picturales de son temps et enfin à Ferrare. De manière inédite, seront mis en lumière les liens du peintre, découvert par Apollinaire puis soutenu par le marchand Paul Guillaume, avec les cercles culturels et littéraires parisiens. Né en Grèce et formé dans le creuset de la culture classique et du romantisme allemand tardif, De Chirico développe les fondements d’une nouvelle conception artistique aux côtés de son frère cadet Alberto Savinio. Elève à l’Académie des Beaux-Arts de Munich à partir de 1908, il découvre la pensée de Nietzsche et Schopenhauer ainsi que les oeuvres de Böcklin et de Klinger. Après un passage à Milan puis Florence, c’est cependant depuis la France, à Paris dès l’automne 1911, qu’il met en place un vocabulaire plastique singulier au contact des révolutions picturales modernistes. Il est très vite remarqué par certaines personnalités artistiques de son temps. Guillaume Apollinaire, Maurice Raynal et André Salmon, mais aussi André Breton, Paul Éluard, Jean Paulhan, sont parmi les premiers à s’intéresser à son œuvre et à la promouvoir. L’exposition trouve ainsi toute sa place au musée de l’Orangerie autour de la figure de Paul Guillaume qui fut le tout premier marchand de Giorgio de Chirico. De retour en Italie en 1915, il est envoyé avec son frère Savinio à Ferrare pour des raisons militaires et y poursuit ses recherches picturales. La période ferraraise (juin 1915-décembre 1918) est l’occasion pour les peintres Carlo Carrà et Giorgio Morandi de fréquenter les deux frères permettant ainsi la formation de ce que l’on qualifiera plus tard d’«école métaphysique« et sur laquelle se clôt l’exposition. </p> Paris, 2020 Hazan 232 p., cartonnage éditeur. 20 x 29‎

‎Neuf‎

‎Frida Kahlo, Diego Rivera. L'art en fusion.‎

‎<p>Si Frida Kahlo (1907-1954) est aujourd’hui l’une des artistes les plus connues et les plus populaires de l’art mexicain du XXe siècle, c’est bien sûr grâce à sa personnalité et à l’originalité d’une œuvre qui échappe à toute tentative de classification. L’œuvre est ici avant tout l’expression du récit d’une vie. Vie tragique et tumultueuse, échappant à son tour à toute convention, connue dans le moindre détail et récemment portée à l’écran, faisant d’elle une véritable icône. La seule évocation de son nom soulève enthousiasme et admiration, pourtant son œuvre est peu montrée. Sa production artistique, quelque 200 œuvres, n’a fait l’objet que de quelques rares expositions en Europe. Exposée pour la première fois en France, dans l’un de ses musées les plus prestigieux, la sélection proposée par le musée Olmedo, d'environ 38 œuvres, inclut des œuvres qui ont contribué à la renommée internationale de l’artiste, comme les autoportraits, parmi lesquels le très célèbre Autoportrait à la colonne brisée. La vie et l’œuvre de Frida Kahlo sont indissociables de celles de son compagnon Diego Rivera (1886-1957). Ils sont entrés ensemble dans la légende et figurent tous deux au panthéon des artistes mexicains du XXe siècle. Célèbre pour ses grandes peintures murales, les peintures de chevalet, dessins, lithographies, qui constituent une part importante de sa production, sont moins connues du grand public en Europe. Le propos de l’exposition est de retracer son cheminement artistique, depuis les premières œuvres cubistes, témoignages de ses liens avec le milieu artistique parisien, jusqu’à celles qui firent de lui le fondateur de l’école mexicaine du XXe siècle. L’exposition est une invitation à découvrir les multiples facettes de l’art de Rivera dont les voyages à travers l’Europe, ont nourri sa vision et son répertoire sans l’éloigner de ses racines. Il s’inscrira ainsi dans l’histoire comme le fondateur de l’école nationaliste. L'originalité de l'exposition consacrée au couple mythique incarné par Diego Rivera et Frida Kahlo consiste à présenter leurs œuvres ensemble, comme pour confirmer leur divorce impossible, effectif dans les faits mais aussitôt remis en question après une seule année de séparation. Elle permettra aussi de mieux entrevoir leurs univers artistiques, si différents, mais également si complémentaires, par cet attachement commun et viscéral à leur terre mexicaine : cycle de la vie et de la mort, révolution et religion, réalisme et mysticisme, ouvriers et paysans. Version bilingue français/anglais. </p> Paris, 2013 Hazan 181 p., illustrations couleur, broché. 24 x 31‎

‎Neuf‎

‎CHEFS-D'OEUVRE DU MUSEE DE COLOGNE‎

‎CHEZ L'AUTEUR. 1955. In-8. Broché. Bon état, Couv. convenable, Dos satisfaisant, Intérieur frais. Non paginé, environ 70 pages. Nombreuses planches en noir et blanc.. . . . Classification Dewey : 750-La peinture et les peintres‎

‎ Classification Dewey : 750-La peinture et les peintres‎

‎Magritte, Renoir. Le surréalisme en plein soleil.‎

‎<p>Dès le début de la Seconde Guerre mondiale, René Magritte (1898-1967), frappé par la similitude du climat européen sous le joug nazi avec ce qu'exprimait le surréalisme, dresse le bilan de son travail et reconsidère les valeurs fondatrices du mouvement surréaliste.<br>Pour lui, opposer la joie et la promesse du bonheur à la désespérance des nazis est la seule façon de « transformer le monde » pour citer André Breton.<br>L'impressionnisme, qui célèbre la joie de vivre, l'inspire. À Auguste Renoir, il emprunte son iconographie, sa technique, ouvrant le chapitre d'un style nouveau, dit « Renoir », un « surréalisme en plein soleil ».</p><p>Le catalogue s'ouvre sur des peintures bien connues des années 1930, expressions de l'inquiétude de Magritte face aux signes avant-coureurs de la catastrophe à venir.<br>Puis les tableaux de sa période « Renoir » sont confrontés à des œuvres du maître impressionniste et d'artistes de son temps tel Picabia mais aussi plus récents comme Jeff Koons, révélant une possible postérité de son style solaire.</p> Paris, 2021 RMN 176 p., cartonnage éditeur. 18 x 25‎

‎Neuf‎

‎De David à Toulouse-Lautrec.‎

‎PARIS. 1955. In-8. Broché. Bon état, Couv. légèrement pliée, Dos satisfaisant, Intérieur frais. Sans pagination. Environ 150 pages. Nombreuses planches d'illustrations en noir et blanc hors-texte.. . . . Classification Dewey : 750-La peinture et les peintres‎

‎Chefs-d'oeuvre des collections américaines. Préface de Georges Salles. Avant-propos de Burden. Introduction de James Thrall Soby. Classification Dewey : 750-La peinture et les peintres‎

‎Dans la lumière ce Vermeer (exposition en 1966)‎

‎ 1966 18x23. 1966. Broché. non paginé pages. Bon Etat intérieur propre couverture légèrement frottée sur ses bords‎

‎Dans la lumière de Vermeer‎

‎Chez l' auteur. 1966. In-8. Broché. Bon état, Couv. convenable, Dos satisfaisant, Intérieur frais. Catalogue de l'exposition, non paginé, illustré de nombreuses reproductions noir et blanc de oeuvres de Vermeeret autres peintres.( Bonnard, Cézanne, Ingres, Vuillard, La Tour, Degas...). . . . Classification Dewey : 750-La peinture et les peintres‎

‎Exposition du 24 septembre au 28 novembre 1966 Classification Dewey : 750-La peinture et les peintres‎

‎De David à Toulouse-Lautrec. Chefs-d'oeuvre des collections américaines‎

‎CHEZ L'AUTEUR. 1955. In-8. Broché. Bon état, Couv. légèrement passée, Dos satisfaisant, Intérieur frais. Sans pagination. Nbreuses illust n&b sur planches hors texte.. . . . Classification Dewey : 750-La peinture et les peintres‎

‎Préface de Georges Salles. Avant-Propos de Burden. Classification Dewey : 750-La peinture et les peintres‎

‎Chaïm Soutine/ Willem de Kooning. La peinture incarnée.‎

‎<meta charset="utf-8"><span data-mce-fragment="1">Le musée de l’Orangerie présente une exposition faisant dialoguer les œuvres de Chaïm Soutine (1893–1943), peintre de l’École de Paris d’origine russe (actuelle Biélorussie) et de Willem de Kooning (1904–1997), expressionniste abstrait américain d’origine néerlandaise. Cette exposition s’attachera plus spécifiquement à explorer l’impact de la peinture de Soutine sur la vision picturale du grand peintre américain. Soutine a en effet marqué la génération des peintres d’après-guerre par la force expressive de sa peinture et sa figure d’"artiste maudit", aux prises avec les vicissitudes et les excès de la bohème parisienne. Son œuvre a été particulièrement visible aux États-Unis entre les années 1930 et 1950, moment où l’artiste figuratif de tradition européenne est relu à l’aune des théories artistiques nouvelles. La peinture gestuelle et l’empâtement prononcé des toiles de Soutine conduisent critiques et commissaires d’exposition à le proclamer "prophète", héraut de l'expressionnisme abstrait américain.</span><br data-mce-fragment="1"><span data-mce-fragment="1">C'est précisément au tournant des années 1950 que Willem de Kooning entame le chantier pictural des Woman, toiles dans lesquelles se construit un expressionnisme singulier, entre figuration et abstraction. L'élaboration de ce nouveau langage correspond au moment où le peintre convoque l’univers artistique de Chaïm Soutine et s’y confronte. De Kooning découvre les tableaux de son prédécesseur dès les années 1930, puis à la rétrospective qui consacre le peintre au Museum of Modern Art à New York en 1950. Il sera particulièrement marqué ensuite par la présentation des toiles de Soutine dans les collections de la Fondation Barnes de Philadelphie, où il se rend avec sa femme Elaine en juin 1952.</span><br data-mce-fragment="1"><span data-mce-fragment="1">Mieux que tout autre artiste de sa génération, de Kooning a su déceler la tension entre les deux pôles apparemment opposés de l’œuvre de Soutine : une recherche de structure doublée d’un rapport passionné à l’histoire de l’art, et une tendance prononcée à l’informel. L’œuvre de Soutine devient alors une référence permanente pour l’artiste américain. De Kooning, qui cherche à dégager sa peinture de l’antagonisme art figuratif / art abstrait en élaborant une 'troisième voie' originale, trouve dans l’art de Soutine une légitimation de sa propre pratique.</span><br data-mce-fragment="1"><span data-mce-fragment="1">L'exposition mettra en dialogue les univers singuliers de ces deux artistes au travers d’une cinquantaine d’œuvres articulées autour de thématiques essentielles : la tension entre la figure et l'informe, la peinture de la "chair", la pratique picturale "gestuelle" des deux artistes.</span><br data-mce-fragment="1"><span data-mce-fragment="1">Ces moments thématiques seront ponctués de remises en perspective historiques, par l’évocation de la rétrospective de Soutine au MoMA en 1950 et de la visite de de Kooning à la Fondation Barnes en 1952.</span> Paris, 2021 Hazan 230 pages, très nombreuses illustrations couleur, broché. 24,5 x 31‎

‎Neuf‎

‎Dans La Lumière De Vermeer‎

‎ Musée Du Louvre broché Couverture Illustrée Paris 1966 Cinq siècles de peinture - exposition nov 1966 ‎

‎État Moyen ‎

‎Kirili et les Nymphéas.‎

‎ Paris, 2007 RMN 47 p., nombreuses photographies couleur, broché. 21 x 26,5‎

‎Neuf‎

‎Paul Klee. 1879/1940. La collection d'Ernst Beyeler.‎

‎ Paris, 2010 Hazan 93 p., nombreuses illustrations N/B et couleur, relié. 20 x 25,5‎

‎Neuf‎

‎Apollinaire. Le regard du poète.‎

‎ Paris, 2016 Gallimard 320 p., illustrations, relié. 22 x 29‎

‎Neuf‎

‎Arts de l'Islam. Des origines à 1700 dans les collections publiques françaises.‎

‎ Paris, 1971 246 p., nombreuses ill. N/B, 5 ill. couleur, broché. (rayure sur la 1ere de couverture). 21 x 23,5‎

‎Occasion‎

‎"Exposition 29 octobre 1991-20 janvier 1992 - ""Un certain Derain"" -"‎

‎Reunion des musées nationaux. 1992. In-8. Broché. Bon état, Couv. convenable, Dos satisfaisant, Intérieur frais. 150 pages. Nombreuses illustrations en noir et blanc et en couleurs dans et hors texte.. . . . Classification Dewey : 708-Galeries, musées, collections d'art‎

‎ Classification Dewey : 708-Galeries, musées, collections d'art‎

‎Adolfo Wildt (1868-1931), le dernier symboliste.‎

‎<p>Un art «inexorable et parfait« Margherita Sarfatti Sculpteur par excellence, Adolfo Wildt (1868-1931) est issu de la prestigieuse généalogie des tailleurs de marbre, des dominateurs du bloc comme Michel-Ange. Au tournant du siècle, il réconcilie l'artiste et l'artisan, donnant une dimension noble au travail du marbre. Proche du symbolisme, il a su élaborer un langage où l'expressionnisme se mêle aux réminiscences de l'art antique, du gothique, de la Renaissance, dans un équilibre inédit entre la force expressive du modèle et la grâce de motifs purement décoratifs. Présenté pour la première fois en France, l'oeuvre de Wildt, inclassable, parfois incompris, n'aura de cesse d'étonner, de fasciner voire de diviser.</p> Paris, 2015 256 p., illustrations couleur et N/B, relié. 23 x 29‎

‎Neuf‎